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2015年7月16日 (木)

eje「ものおと」@T-Art Gallery など

オトやモノや、そして人との出会いは本当に不思議で、どこか運命的なものだと感じている。

ある時は自分の意志を越えて、何かに引き寄せられるように、会うべき時期に、自然に「出会ってしまう」ことがある。
20年前に池袋リブロで偶然手に取ったシェーファーの『世界の調律』もしかり。

Eje

現在、仲間たちと非公式で活動している路上観察学会分科会も、数々の偶然が重なって昨年の11月11日から始まった(この話も長くなるので、また別の機会に)。そしてその「まちを歩く」というシンプルな活動が、また予期せぬ様々な出会いを生んでいるから面白いものだと思う。

例えば、5月の路上観察の個人活動時間にふと立ち寄った東大駒場博物館で、私はその「オト」に出会った。入り口の案内板にあった『境界線を引く⇔越える』 のタイトルに惹かれて、何となく会場内に足を踏み入れた途端、私の全身は耳になった。

その物静かなオトたちは、何とも心地よい「余白」を伴って会場を包み込んでいた。おそらく「意識」しなければ、オトの存在すら気づかない人もいるだろう。それほど自然なサウンドスケープがそこにはあった。

しかし私の全身は耳になっていた。
この日の路上観察は「サウンド・ウォーク」にしていたので、耳もひらいていたのだろう。オトがすんなりと心身に入ってきて、しばらく聞き入っていた。

ちょうど会場を出ようとした時に、この展示の主要アーティストである画家の池平徹兵さんが声をかけて下さった。福祉施設での協働作品や顕微鏡絵画ワークショップ、オフィス・バクテリアの作品など、今回のテーマである美術や科学、障害のある/なしという、さまざまな境界線を越えた視点を提示されていて非常に興味深かった。科学技術の領域からこの展示を企画した渡部麻衣子特任講師とは、また後日出会うのだが。

池平さんから、会場の「オト」がアーティストgOさんによって駒場の研究所で集められ、コラージュされた作品だと伺った。そしてgOさんが、間もなく私と同じ街の住人となることが判明し、「是非、連絡を取ってみてください」と告げられた。
その後に打合せを控えていた池平さんとの、ほんの10分程の会話である。

Eje

先週まで、天王洲アイルにある寺田倉庫T-Art Galleryでは、「コレクターとアーティスト」シリーズとして(推薦者:笹川直子)、gOさんが主要メンバーのアートユニットeje(エヘ)展が開催されいた。

ejeは2013年度岡本太郎賞特別賞を受賞した、どちらかと言えば美術領域のアーティストである。しかしその作品には「オト」が欠かせず、コンセプトやアプローチはサウンドスケープ思想と非常に近い感覚である。主要メンバーがミュージシャンと美大出身者ということから、ボーダレスというよりは美術と音楽、お互いの領域が調和したマージナルな作品づくりをしているサウンド・アートのユニットと言えるのではないか。今やオトの「表現の自由」が確保されているのは美術領域であるという皮肉な現象は見過ごせないが、このあたりの分析は専門家の「コトバ」に任せたいと思う。

今回は使われなくなったモノのために作曲された「オト」というコンセプトの作品「ものおと」が出品されるというので、2007年のCD『生きものの音』(真砂秀朗、ササマユウコ、等々力政彦)の制作担当で、今は一年の半分をインドで過ごしているHisaeさんがちょうど東京に来ていたので一緒に出かけることにした。「ものおと」に出会いに、モノレールに乗って。

彼らの展示会場は、小さな「部屋」になっていた。
中央にはアンティークの一人用ソファ型ロッキングチェアが置かれ、周辺の机や床の上には、使い古された鉛筆の束やミシン、壁には蝶の標本や帽子が飾られている。モノたちは以前からずっとそこに在ったような佇まいであり、部屋への「訪問者」は入り口でイヤフォンを手に取り、靴を脱いで、住人不在の部屋に足を踏み入れる(境界を越える)。
その瞬間、私たちはejeの音世界の旅人となるのである。

実は部屋に置かれたモノたちには、それぞれにひっそりと「ピンジャック」がつけられている。これが非日常への入り口となっていて、そこにイヤフォンのプラグを差し込むと、ひとつひとつのモノの「内側」から、オトが聞こえてくる仕掛けになっているのだ。その内側の世界は、どこか物語を感じさせる音の風景になっていたり、歌(ボイスというべきか)だったりと、モノと作曲者との関係性によって違うのだが、しかしすべてに統一されたejeの世界感がある。ゆったりとミニマルで、モノの内側の中心点にある静寂から自然と立ち現れる世界。その中心点と自分をつなぐのは(gOさんはそれを‘接着剤’と言うが)、イヤフォンのコードの中を伝わるオトである。それは駒場博物館の会場を包み込んでいたように、「余白」を伴うサウンドスケープとなって私たちの内側を満たしていく。

しかしそのモノの内側にある世界感は、訪問者がピンジャックを「探しあてる」という、こちら側からのアクションが無いかぎり、決して出会うことはないのである。そもそもイヤフォンを手に取り、靴を脱いで部屋に入らない限りは何も始まらない。日常と非日常、「内」と「外」をつなぐ瞬間、その関係性が最終的な「芸術作品」へと昇華するか否かは、部屋の訪問者の内面に託されている。私たちはひとつひとつのモノのピンジャックを探し当て、その内側にある世界に出会うたびに心を動かされ、そして日頃の生活で見過ごしている大切なものは何かに気づかされるのである。gOさんは「会場を出た後で、それが数日経ってからでもいいのですが、モノと対峙した時にそこに思わず’ピンジャック(非日常)’を探してしまうような、そんな気づきのある作品になれば」と話していた。

面白いのは、モノの内側のオトがイヤフォンのコードを伝って耳の穴から内側に入ると、自らの「音の記憶」の扉が開くような、とてもダイレクトで、どこか生理的な感覚も生まれることである。それは心身が本来ひとつであることに気づく経験であり、一方で科学が「心は脳にある」というならば、イヤフォンでオトをきく行為が最も脳に刺激を与えやすいということになる(この発想はプラグマティックで好きではないけれど)。私は古いミシンが踏まれる音や、ボトルシップの波の音から、今ではすっかり忘れていた幼い日の身体感覚や、小学生だったある日の午後の部屋の音風景の記憶が鮮やかによみがえった。Hisaeさんも幼い頃に交わした友人との「モノ」を通したやりとりを思い出していた。

また同時に、呼吸のリズムに寄り添うオトの間(余白)は、自らの内側を無理のない状態に「調律」もしてくれる。緊張しすぎず、また緩みすぎない。静かで深い呼吸が生まれることで「平和と静寂の時間」に辿りつく。自分の中心点にある「しん」とした場所にオトがじわじわと染み入り、過去と現在の時間の伸縮を体験しながら瞑想状態に入るような感覚である。だから彼らの部屋でずいぶんと長い時間を過ごしたのに、久しぶりに会ったHisaeさんともほとんどコトバを交わさなかった。途中、何人か部屋を訪れた人たちも、自分が選んだ好きなモノの内側とつながりながら思い思いに過ごしていた。その光景は一見「分断された個」のように見えるが、同じ「ものおと」を体験している人たちの間には「ゆるやかなつながり」や「共感」が生まれていたと思う。それはすでに「内側のオトを知っている」人が、後から聞いている人に対して抱く感情だとは思うが、少なくとも孤独ではなかった。もちろんギャラリーを後にしてからは、お互いにどの「ものおと」が好きだったか、どんな記憶が呼び覚まされたのかを話し合う。会場に感想ノートを置いて一人で来た人たちにも何かしら「分かち合う」機会があってもいいのかもしれないが、「ネタバレ」になってしまうので難しいとも思う。基本的にはモノの内側、すなわち自分の内側と対峙する作品なのだ。またこの「ものおと」は図書館や街中など、いろいろな場所に設置可能な「騒音問題とは無縁の」サウンド・アートという点でも注目している。

この寺田倉庫の展示に出会ってから1週間後、gOさん本人がコネクトのオフィスに遊びに来てくれた。

既にその人の内側にあるサウンドスケープを知っていると、初対面であることを忘れてしまう不思議がある。しかしそれは、作者の紡ぎ出すオトと本人の内側との関係性に「ズレ」がない場合に限るだろう。最近増えている「技術」や「コンセプト」重視で作られる現代アート作品には、アーティストの内面が反映されず(あえて、の場合も含め)、関心こそすれ感動しない作品も多い気がしている。gOさんとは様々なお話をさせて頂く中で、その辺の「ずれ」が無い方だと思った。生き方と作品が一致しているというか。また駒場博物館から一連の流れに、私がgOさんのオトと出会った「理由」も見えてきたように思う。

この春からアートユニットejeは、新しい障害者福祉施設のディレクションを担当していたのだ(実はこの仕事のために、gOさんは都会から都市郊外に越してきた)。福祉の領域は門外漢という彼らだからこそ、先入観に囚われない‘アーティストとして’の柔軟な発想力が現場に求められているのだろう。これはアールブリュットとも違う、障害のある/なしの区別のない、さまざまな境界線を自由に行き来する新しい芸術活動とも考えられる。

シェーファーも40年前の『世界の調律』(1986 平凡社)の中で、サウンドスケープが社会福祉へとつながる可能性を示唆している(しかし当時のアカデミックな音楽界には、その考えがほとんど理解されなかった)。若尾裕先生の『音楽療法を考える』(2006 音楽之友社)でも、福祉領域にあるコミュニティ・ミュージックや表現の自由の可能性について言及されている。一方でejeのこころみは、現代アートとしてのリレーショナル・アート(しかしこれは芸術家と鑑賞者という’立ち位置の区別’がある)をもう一歩先に進め、社会の中で生きる「人と人」の新しい関係性を模索する挑戦とも言い換えられる。対峙する人の「ピンジャック」を探し当て、内側にあるサウンドスケープを自らの内側につなげようとする自発的な作業は「対話」そのものである。

ejeの福祉領域での活動はまだ始まったばかりだ。サウンドスケープ的な視点から福祉の「内」と「外」がどのように柔らかくつながっていくのか、折に触れて紹介していければと思う。「対話」を捨て去ろうとしているこの国で、小さなコミュニティにある芸術から学ぶことは大きい。

まさに音のまにまに。

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